domingo, 28 de diciembre de 2025

Belén del Mercado de Triana - 2025

    En el corazón del Mercado de Triana, entre el bullicio diario y el aroma de los puestos, se abre un pequeño mundo detenido en el tiempo. El belén artesanal del mercado despliega su escenografía con mimo: calles de barro, muros envejecidos y una luz cálida que parece nacer desde dentro. Cada figura, cada puesto y cada detalle están trabajados con la paciencia de quienes viven el belenismo como oficio y herencia. Es un nacimiento cercano, pensado para ser contemplado de cerca, donde la tradición se funde con el pulso del barrio y convierte la visita en un remanso de calma dentro del ritmo del mercado. 
    Se trata de un belén de tamaño comedido, cuidado en cada elemento y levantado con esmero, que recrea la plaza del mercado en los años veinte del pasado siglo.
    Puede visitarse hasta el 4 de enero de 2026 en horario de 9.00h. a 15.00h. de lunes a sábado y de 9.00h. a 14.00h. los domingos.

Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025
Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025
Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025
Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025
Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025
Sevilla - Belén Mercado de Triana 2025

    La escenografía de este Belén es obra de Rubén Galindo Domínguez, Alfares ha realizado los complementos de todos los puestos y animales, las figuras son de hermanos Cerrada, la iluminación de Fmas y las estructuras de Pedro Moreno.

sábado, 27 de diciembre de 2025

Filatelia - Victoria Kent (1990)

Filatelia - Mujeres famosas españolas - Victoria Kent- 1990 - Sello
MUJERES FAMOSAS ESPAÑOLAS. VICTORIA KENT
Sello emitido el 12 de febrero de 1990

Filatelia - Mujeres famosas españolas - Victoria Kent- 1990 - Matasellos Primer día (Málaga)
MUJERES FAMOSAS ESPAÑOLAS. VICTORIA KENT
Matasellos Primer día (Málaga)

Filatelia - Mujeres famosas españolas - Victoria Kent- 1990 - Sobre Primer día (Málaga) 
MUJERES FAMOSAS ESPAÑOLAS. VICTORIA KENT
Sobre Primer día (Málaga)

    El 12 de febrero de 1990, Correos inició la emisión de una serie de sellos dedicada a "Mujeres famosas españolas" y el primer ejemplar estuvo dedicado a la malagueña Victoria Kent.
    Nacida en 1892, fue una de las grandes pioneras de la justicia social en la España republicana. Abogada y diputada en Cortes, asumió la Dirección General de Prisiones en un momento en que el propio ministro de Justicia, Fernando de los Ríos, subrayaba la urgencia de reformar a fondo el régimen penitenciario. Desde el primer día se volcó en ese proyecto: impulsó mejoras higiénicas y alimentarias, eliminó celdas de castigo, cadenas y grilletes, y orientó la institución hacia un modelo más humano y educativo. Bajo su dirección se establecieron permisos de salida, se fijó el límite penal a los setenta años, se creó el Instituto de Estudios Penales y se profesionalizó el Cuerpo de Prisiones, al que añadió por primera vez un Cuerpo Femenino específicamente formado.
    Su visión de la justicia estaba guiada por la dignidad de las personas y la convicción de que la reinserción debía ser el horizonte del sistema penitenciario. Aunque su postura sobre el voto femenino generó debate, la sostuvo desde una lectura crítica del contexto social de la época. Tras la Guerra Civil, continuó su labor en el exilio, primero en Francia y después en Estados Unidos, donde fundó la revista Ibérica para mantener viva la voz de los republicanos. Falleció en 1987, a los 90 años, dejando un legado de valentía reformadora y un ejemplo perdurable de compromiso con los derechos humanos.

DATOS TÉCNICOS DE LA EMISIÓN
– Serie: MUJERES FAMOSAS ESPAÑOLAS
– Motivo: Victoria Kent
– Diseño: Pedro Sánchez González
– Grabado: Pablo Sampedro Molero
– Fecha de emisión: 12/02/1990
– Procedimiento de Impresión: Calcografía
– Papel: Estucado, fosforescente
– Tamaño del sello: 28,8 x 40,9 mm (vertical)
– Dentado: 13 ¾ 
– Valor postal del sello: 20 pesetas
– Efectos en pliego: 50 sellos
– Tirada: 6.000.000 sellos

jueves, 25 de diciembre de 2025

Gerrit van Honthorst - Adoración de los Pastores (1622)

Adoración de los Pastores - 1622 - Óleo sobre lienzo - Gerrit van Honthorst - Pomeranian State Museum
ADORACIÓN DE LOS PASTORES (1622)
Gerrit van Honthorst
Óleo sobre lienzo
MUSEO ESTATAL DE POMERANIA - GREIFSWALD (ALEMANIA) 

    La Adoración de los Pastores de Gerrit van Honthorst, conservada en el Museo Estatal de Pomerania, es una obra maestra del barroco neerlandés que encarna la fusión entre el realismo cotidiano y la espiritualidad luminosa. Pintada hacia 1622, en el periodo inmediatamente posterior al regreso del artista de Italia, la escena representa el nacimiento de Jesús con una intensidad emocional que se apoya en el uso magistral del claroscuro. La luz emana del Niño, irradiando hacia los rostros de María, José y los pastores, que se agrupan en torno al pesebre con expresiones de asombro y ternura. Esta iluminación interna no solo guía la mirada del espectador, sino que simboliza la revelación divina en medio de la oscuridad del mundo.
    Honthorst, influido por Caravaggio, adopta aquí una estética nocturna que transforma la escena bíblica en una experiencia íntima y teatral. Los personajes están modelados con naturalismo: rostros curtidos, ropas sencillas, gestos espontáneos. El artista evita el artificio y se centra en la humanidad del momento, haciendo que el espectador se sienta parte de la contemplación. La presencia de animales, como el carnero en primer plano, refuerza el ambiente pastoral y conecta la escena con la tradición del Belén popular, donde lo humilde se convierte en sagrado.
    Desde el punto de vista didáctico, esta obra permite explorar temas clave del arte barroco: la función narrativa de la luz, la representación de lo divino en lo cotidiano, y el diálogo entre pintura y devoción. Es ideal para introducir a los niños en el misterio de la Navidad a través de una imagen cálida, accesible y profundamente simbólica. Además, ofrece una oportunidad para comparar estilos entre artistas europeos del siglo XVII, como Murillo, Rubens o La Tour, y comprender cómo cada uno traduce el mismo episodio con sensibilidad propia. 
    La trayectoria de esta pintura, menos conocida que otras versiones del mismo tema, invita a reflexionar sobre el valor de los museos regionales en la conservación del patrimonio. Aunque no se exhibe en una gran pinacoteca internacional, su calidad artística y su capacidad de emocionar la convierten en una joya silenciosa del arte devocional. El Museo de Pomerania la presenta como testimonio de la circulación de obras barrocas en el norte de Europa y como puente entre la tradición cristiana y la sensibilidad contemporánea.

miércoles, 24 de diciembre de 2025

Francisco Rizi - Adoración de los Pastores (1668)

Adoración de los Pastores - 1668 - Francisco Rizi -Museo del Prado
ADORACIÓN DE LOS PASTORES (1668)   
Francisco Rizi
Óleo sobre lienzo - 215 x 210 cm.
MUSEO DEL PRADO - MADRID

    En plena segunda mitad del siglo XVII, la pintura española vivía una etapa de esplendor barroco marcada por el dramatismo, la teatralidad y la exaltación de lo sagrado. En este contexto, Francisco Rizi, pintor de cámara y escenógrafo real, realiza en 1668 su Adoración de los pastores, una obra que condensa el fervor devocional y la riqueza expresiva de su tiempo. El lienzo, de grandes dimensiones, responde a la demanda de imágenes religiosas capaces de conmover al espectador y guiarlo en la contemplación del misterio de la Encarnación, en sintonía con los ideales postridentinos. 
    El estilo de Rizi se caracteriza por una composición dinámica, el uso dramático de la luz y una paleta cálida que acentúa la intimidad del momento. En esta escena, la Sagrada Familia está acompañada por un grupo de pastores que irrumpen con gestos de asombro y humildad. La iluminación, que emana del Niño, organiza el espacio en torno a su figura, creando un foco místico que guía la mirada del espectador. Los ángeles suspendidos en lo alto refuerzan la dimensión celestial del acontecimiento, mientras que los animales y el entorno rústico anclan la escena en la tierra, en la cotidianidad redimida por lo divino.
    El simbolismo de la obra se despliega en cada detalle: el cordero que anticipa el sacrificio de Cristo, el cayado de san José como signo de custodia, y las manos abiertas de los pastores como gesto de entrega. La firma "Frat. Ruy. F." en la parte inferior del lienzo revela la identidad del autor con un tono de humildad franciscana, como si se reconociera servidor de un mensaje superior. 
    Francisco Rizi, (Madrid, 1614 - San Lorenzo del Escorial, 1685), fue uno de los grandes exponentes del barroco cortesano. Formado en el ambiente del Alcázar y discípulo de Vicente Carducho, desarrolló una carrera versátil que abarcó desde la pintura religiosa hasta la escenografía teatral. Su obra se distingue por la capacidad de conjugar lo monumental con lo íntimo, lo doctrinal con lo emotivo. Murió dejando un legado que anticipa la sensibilidad escenográfica del siglo XVIII. La Adoración de los pastores es testimonio de su maestría y de su profunda comprensión del arte como vehículo de lo sagrado.

Nota: Este cuadro fue adquirido por el Museo del Prado el año 2004 y actualmente se encuentra en depósito en otra institución.

martes, 23 de diciembre de 2025

La Misa del Gallo en la cultura andaluza

    La llamada Misa del Gallo, celebrada tradicionalmente a medianoche en la Nochebuena, es una de las expresiones litúrgicas más antiguas y simbólicas del cristianismo. Su origen se remonta a la Roma del siglo V, cuando el papa Sixto III estableció una celebración nocturna en un pequeño oratorio de la basílica de Santa María la Mayor, en el momento ad galli cantus, es decir, "al canto del gallo", expresión que en la antigüedad se asociaba a la medianoche. Con el tiempo, esta misa se convirtió en la primera de las cuatro celebraciones navideñas del rito romano, vigilia, noche, aurora y día, siendo la de medianoche la que adquirió mayor arraigo popular. Aunque su nombre ha generado diversas leyendas, desde la supuesta presencia de un gallo en el pesebre hasta la referencia al canto que anuncia la luz, lo cierto es que la denominación procede de esa antigua forma romana de marcar las horas nocturnas.   

Misa del Gallo - Postal infantil 

    En Andalucía, la Misa del Gallo arraigó desde época medieval como un momento de fuerte cohesión comunitaria. En los pueblos y ciudades, la celebración nocturna se convirtió en un puente entre la liturgia y las costumbres festivas locales. La misa marcaba el paso del Adviento a la Navidad, pero también abría la puerta a expresiones populares como los villancicos, las rondas y, en algunas zonas, las antiguas "coplas de aguilando". La participación de hermandades, cofradías y coros locales fue dando a la celebración un carácter propio, donde lo religioso y lo festivo convivían de manera natural. 
    Durante la Edad Moderna, la Misa del Gallo en Andalucía adquirió un tono especialmente musical y comunitario. En ciudades como Sevilla, Córdoba o Granada, los templos se llenaban de fieles que acudían tras la cena familiar, mientras que en los pueblos la misa se acompañaba de instrumentos tradicionales, zambombas, panderetas, almireces... que, aunque a veces generaban tensiones con la normativa eclesiástica, formaban parte inseparable del sentir popular. La celebración se vivía como un acto de alegría contenida: la liturgia mantenía su solemnidad, pero el ambiente era marcadamente cercano y festivo.   

Misa del Gallo - Postal infantil 

    En el siglo XX, con los cambios sociales y la progresiva urbanización, la Misa del Gallo experimentó una transformación. En muchas parroquias andaluzas se adelantó la hora de la celebración para facilitar la asistencia, especialmente de familias y personas mayores, aunque en otras se mantuvo la tradición de la medianoche. La música popular siguió ocupando un lugar destacado, y en algunas localidades se consolidaron tradiciones propias, como la salida de coros tras la misa para cantar por las calles o la costumbre de compartir dulces navideños a la salida del templo. 
    Hoy, la Misa del Gallo en Andalucía sigue siendo un símbolo de identidad religiosa y cultural. Aunque adaptada a los ritmos contemporáneos, conserva su esencia: celebrar en comunidad el nacimiento de Jesús en la hora simbólica en que "canta el gallo", cuando la noche comienza a abrirse a la luz. En muchos lugares continúa siendo un momento de reencuentro, donde la liturgia se entrelaza con la memoria colectiva, la música tradicional y el calor de las costumbres navideñas que han acompañado a generaciones de andaluces.

lunes, 22 de diciembre de 2025

Mojácar, morisca y altiva

     Mojácar se alza sobre su cerro como un mirador blanco hacia el Mediterráneo. Su luz, clara, casi plateada, recorre las fachadas encaladas y se adentra en un entramado de calles que conservan el eco de su pasado andalusí. Un lugar donde la altura, la memoria morisca y una atmósfera creativa se entrelazan para ofrecer una belleza distinta, serena y luminosa. Un lugar donde la luz y el color invitan a caminar sin rumbo y disfrutar cada rincón. 

Mojácar - Vista general
     
    En Mojácar, las casas que parecen nacer de la propia montaña. Las viviendas, encaladas y compactas, se superponen en distintos niveles, creando un paisaje urbano casi escultórico, donde terrazas, balcones y pequeñas aberturas dialogan con la luz clara del Mediterráneo. Entre el blanco dominante asoman pinceladas de verde que suavizan el conjunto, mientras el cielo limpio enmarca la silueta del pueblo.

Mojácar - Puerta de la ciudad

    La Puerta de la Ciudad es el antiguo acceso principal a Mojácar y formaba parte de la muralla que protegía la villa tras la Reconquista. Su estructura actual, de arco de medio punto encalado, se levantó en el siglo XVI sobre la antigua puerta andalusí. En su parte superior luce el escudo histórico de Mojácar, donde aparecen la torre defensiva, la llave, símbolo de custodia del territorio, y la cimitarra, recuerdo de su pasado fronterizo. Este conjunto heráldico, coronado por el águila bicéfala de los Austria, resume la identidad histórica del pueblo y marca la entrada a su casco antiguo. 

Mojácar -  Iglesia de Santa María    

    La Iglesia de Santa María, situada en el corazón del casco antiguo de Mojácar, fue construida en 1560 sobre los restos de una antigua mezquita. En su interior destaca una pintura contemporánea en el altar, obra del artista alemán Michael Suckers. La iglesia acoge las imágenes de la Virgen del Rosario y San Agustín, patronos de Mojácar, y se abre a la Plaza del Parterre, antiguo cementerio musulmán.

Mojácar - Mojaquera

    La estatua de la Mojaquera representa a la mujer del pueblo en su atuendo tradicional: vestido largo, pañuelo cubriendo la cabeza y un cántaro sobre ella, símbolo de las tareas cotidianas y del vínculo con el agua, elemento esencial en la vida de la villa. Esta figura estilizada, encarna la dignidad, el esfuerzo y la elegancia de las mujeres mojaqueras. La escultura fue realizada por la artista Mariángeles Guil e inaugurada en 1989.

Mojácar -  Plaza del Parterre

    La Plaza del Parterre se cree que fue una antigua necrópolis árabe, como indican los restos hallados orientados hacia La Meca. Hoy está porticada, con arcos de ladrillo y columnas que enmarcan el lugar con sobriedad. En uno de sus rincones se encuentra una reproducción artesanal de una escena de la Reconquista, inspirada en la sillería del coro de la catedral de Toledo, obra de la artista Itziar Ortuzar.

Mojácar -  Fuente de la Mora

    La Fuente de la Mora, también conocida como Fuente de los Trece Caños, es uno de los lugares más simbólicos de Mojácar. Su existencia está documentada en textos árabes. En este espacio se celebró en 1488 la rendición pacífica de Mojácar ante los Reyes Católicos. La fuente cuenta con doce caños frontales y uno lateral, vertiendo agua en tres pilares. Fue centro de la vida social y económica, albergando en su entorno molinos y mercados. 

Mojácar -  Mojaquera del Campo

    La Mojaquera del Campo, obra del escultor Alberto Manzano, fue instalada en 2006 en la plaza Rey Alabez como homenaje a las mujeres rurales de Mojácar. La figura, fundida en bronce, representa a una campesina en el gesto de cambiarse el calzado al llegar al pueblo, una costumbre que reflejaba respeto por el entorno urbano y cuidado personal. Con una cesta en la mano y el rostro cubierto por un velo, la escultura transmite movimiento, dignidad y memoria. Es un tributo a la vida cotidiana, al esfuerzo silencioso y a la elegancia que perdura en las tradiciones locales.

Mojácar -  Arrabal

    El barrio del Arrabal despliega una alegría serena entre calles estrechas, fachadas encaladas y macetas azules que trepan por los muros como notas de color. La blancura de las casas refleja una luz limpia y envolvente, que transforma cada rincón en un juego de sombras suaves y resplandores vivos. Las buganvillas, los balcones de hierro forjado y los detalles artesanales dan al barrio un aire festivo y acogedor, donde la tradición se mezcla con la belleza cotidiana. 

Mojácar -  Calle típica

    Estrecha y luminosa, esta calle encarna el tipismo andaluz en su forma más viva: muros encalados que reflejan la luz con intensidad, balcones, y una profusión de buganvillas y macetas que estallan en color. El trazado irregular, adaptado al terreno, y la arquitectura doméstica de volúmenes sencillos, remiten a la herencia morisca y al sentido práctico de los pueblos blancos del sur. Aquí, como en Vejer, Frigiliana o Casares, la belleza no se impone: emerge de la convivencia entre luz, sombra, piedra y vegetación. Es una estética cotidiana, tejida con memoria y armonía.

Mojácar - Costa de Mojácar    

    La Torre del Pirulico, también conocida como Atalaya del Peñón o Torre de los Diablos. Construida por los nazaríes entre los siglos XII y XIV, vigilaba la costa de Mojácar desde un acantilado estratégico. Restaurada en 2009, se alza junto a un espectacular arco natural sobre el mar, donde la piedra y el azul profundo del Mediterráneo crean una escena de gran belleza y fuerza histórica.

domingo, 21 de diciembre de 2025

Gerrit van Honthorst - Adoración del Niño (1620)

Adoración del Niño - Gerrit van Honthorst - 1620 - Galería de los Uffici - Florencia
ADORACIÓN DEL NIÑO (1620) 
Óleo sobre lienzo - 95.5 x 131 cm. 
Gerrit van Honthorst  
GALERÍA DE LOS UFFICI - FLORENCIA

    La Natividad se presenta en esta obra como un instante de revelación íntima: el nacimiento de Jesús en un pesebre humilde, rodeado por la mirada atenta de María, José y los primeros testigos. La escena concentra la emoción de lo sagrado en lo cotidiano, invitando al espectador a participar de un momento que, aunque silencioso, irradia una fuerza espiritual capaz de transformar la oscuridad de la noche en claridad compartida.
     En la Adoración del Niño, de Gerrit van Honthorst, la composición se organiza en torno a un foco lumínico único: el cuerpo del recién nacido. La luz se expande desde el pesebre hacia los rostros inclinados, creando un círculo de devoción que une a los personajes en un mismo gesto de contemplación. La ausencia de elementos arquitectónicos o paisajísticos concentra la atención en la humanidad de la escena, reforzada por la precisión con que el pintor resuelve las texturas de la paja, los paños y las manos.
    Este recurso lumínico revela la impronta caravaggista que Honthorst asimiló durante su estancia en Italia. El tenebrismo, lejos de ser un mero efecto dramático, se convierte aquí en lenguaje espiritual: la oscuridad envolvente subraya la irrupción de la luz como signo de lo divino. La obra se inscribe en el contexto del primer Barroco europeo, cuando la pintura religiosa debía conmover y persuadir, ofreciendo al creyente una experiencia sensible de la fe. En este sentido, la Adoración del Niño es tanto una representación bíblica como un ejercicio de teatralidad contenida, donde la luz actúa como argumento y revelación.
    Gerrit van Honthorst (Utrecht, 1592–1656) fue uno de los principales representantes de la escuela de Utrecht y alcanzó gran fama en Italia bajo el apelativo de Gherardo delle Notti, por sus escenas nocturnas iluminadas con velas. Discípulo de Abraham Bloemaert, trabajó en Roma en la década de 1610 y, tras su regreso a los Países Bajos, se consolidó como retratista y pintor de género, con encargos para cortes en La Haya y Londres. Su estilo, marcado por la fusión de la intensidad italiana y la sobriedad nórdica, le permitió crear un lenguaje propio donde la luz es protagonista y donde lo sagrado se expresa con una cercanía que aún hoy conmueve.

sábado, 20 de diciembre de 2025

Sandro Botticelli - La Natividad (1475)

La Natividad - 1475 - Sandro Botticelli - Columbia Museum of Art - USA
LA NATIVIDAD (1473-5)
161 x 137 cm.
Sandro Boticelli
COLUMBIA MUSEUM OF ART - CAROLINA DEL SUR

    Este fresco trasladado a lienzo, conservado en el Museo de Arte de Columbia, es una de las piezas más singulares de Sandro Botticelli y el único fresco del maestro florentino que se encuentra en Estados Unidos. Pintado hacia 1473–1475 para un espacio devocional privado en Florencia, llegó a América gracias a la Samuel H. Kress Foundation, que a mediados del siglo XX donó numerosas obras del Renacimiento italiano a museos del país.
    La escena representa la Natividad según la visión de Santa Brígida: María arrodillada en adoración ante el Niño luminoso, José en actitud contemplativa, el buey y la mula al fondo y los pastores acercándose desde la izquierda. Tres ángeles suspendidos en el techo del establo cantan desde un libro abierto, un detalle de gran delicadeza que subraya el carácter sagrado del momento. El paisaje profundo y la arquitectura renacentista del fondo sitúan el misterio en un entorno familiar para el espectador florentino.
    La obra muestra a un Botticelli joven, todavía cercano a la influencia de Fra Filippo Lippi, pero ya dueño de su elegancia lineal y su sensibilidad espiritual. Sandro Botticelli (1444–1510), uno de los grandes maestros del Renacimiento, desarrolló un estilo inconfundible que combina la gracia del dibujo, la poesía visual y una profunda religiosidad, visible tanto en sus escenas sagradas como en sus célebres composiciones mitológicas.

viernes, 19 de diciembre de 2025

Publicidad 1980 - Gaseosa La Inesperada (Linares)

    Finalizamos este año la serie de carteles publicitarios con una imagen cuya datación exacta se nos escapa, aunque todo apunta a que vio la luz entre finales de los setenta y los primeros años ochenta. La elegimos por dos razones que tocan la memoria y el corazón.
    La primera, porque aquel cartel anunciaba la gran novedad de la época, la gaseosa de fresa, un pequeño milagro para los paladares de tantos clientes, que llegaba para felicitar la Navidad junto a su inseparable compañera, la gaseosa blanca. Y la segunda, porque hoy, al contemplarlo, sentimos una alegría profunda, la de saber que la laboriosa ciudad minera de Linares, vuelve a contar con una planta de fabricación de automóviles en el Parque Empresarial de SANTANA.
    Un guiño al pasado que ilumina el presente y nos recuerda que algunas historias, por fortuna, saben renacer.

Gaseosa La Inesperada - Hacia 1980 - Linares
GASEOSA LA INESPERADA - LINARES
Hacia 1980

    La fábrica de gaseosas La Inesperada, fundada en Linares sobre 1931, fue durante décadas un emblema de la ciudad y de la cultura popular andaluza. Este negocio familiar, que mantuvo siempre un proceso de elaboración artesanal, logró mantenerse firme frente a la expansión de las grandes multinacionales, ofreciendo productos únicos que marcaron generaciones. Tras casi ochenta años de actividad, cerró sus puertas a comienzos del siglo XXI por dificultades económicas, dejando tras de sí un legado imborrable en la memoria colectiva.
    Entre sus productos más celebrados destacó la gaseosa de fresa, una apuesta innovadora que conquistó rápidamente el paladar de los linarenses. Su sabor dulce y espumoso se convirtió en el ingrediente esencial de los populares vargas, ese vino de verano tan nuestro, elaborado con tinto común y gaseosa de fresa. La fórmula fue un éxito rotundo, tanto en bares como en reuniones familiares, y convirtió a La Inesperada en referencia obligada del refresco local. 
    El cartel que hoy presentamos, probablemente creado en los años 80, muestra con estilo festivo dos de sus productos estrella: la gaseosa blanca tradicional y la dulce de fresa, bajo el lema “una vida contigo Felices Fiestas”. Más que una simple publicidad, es una entrañable felicitación navideña dirigida a su fiel clientela, que evoca el calor de las celebraciones compartidas. Hoy, cuando la fábrica ya no existe, contemplar este anuncio es también rendir homenaje a una marca que supo estar presente en los momentos felices de tantas familias.

miércoles, 17 de diciembre de 2025

Los villancicos, su origen y evolución.

    El origen de los villancicos es mucho más profano y terrenal de lo que solemos imaginar cuando los escuchamos hoy bajo las luces de Navidad. Aunque actualmente los asociamos exclusivamente a la religión, la palabra "villancico" proviene de "villano", término que designaba a los habitantes de las villas o aldeas campesinas. En sus inicios, durante la Edad Media, no eran canciones sagradas, sino piezas populares que hablaban de los sucesos cotidianos del campo: amores, desengaños, las cosechas o las noticias del pueblo.

Campesinos medievales cantan "villancicos"
VILLANCICOS EN EL MEDIEVO 
  
    A partir del siglo XV, el villancico se consolidó como una forma poética y musical culta en las cortes de la Península Ibérica. Compositores de la época tomaron esas melodías populares y les dieron una estructura artística más compleja, convirtiéndolas en piezas polifónicas. En este periodo, el tema seguía siendo mayoritariamente amoroso o picaresco, destacando el Cancionero de Palacio como una de las fuentes más importantes donde se recogen estas composiciones que aún conservaban su frescura popular. 
    El giro decisivo hacia lo religioso ocurrió durante el siglo XVI y, sobre todo, en el XVII. La Iglesia Católica, consciente del enorme poder de comunicación de este género, decidió adoptarlo para hacer más cercano el mensaje del Evangelio. Se empezaron a componer villancicos específicos para las festividades religiosas, especialmente para la Navidad, sustituyendo los textos profanos por historias sobre el nacimiento de Jesús, la Virgen María y los pastores. Esta estrategia pedagógica permitía que el pueblo llano participara de la liturgia de una forma alegre y comprensible.
    Con el paso del tiempo y la expansión hacia América, el villancico se fue transformando en una tradición doméstica y comunitaria. Durante el siglo XIX, el género se alejó de los grandes templos y las cortes para volver a las casas y a las plazas, adoptando instrumentos sencillos como la zambomba, el almirez o la pandereta. Fue en este momento cuando se fijaron muchas de las melodías que hoy conocemos de memoria y que forman parte del patrimonio sentimental de las familias durante las fiestas decembrinas.

Villancicos religiosos
VILLANCICOS NAVIDEÑOS 

    En la actualidad, los villancicos son un fenómeno global que ha sabido adaptarse a cada región, incorporando ritmos locales que mantienen viva la tradición. Desde las grandes orquestas que interpretan clásicos internacionales hasta las versiones pop contemporáneas, el villancico sigue cumpliendo su función original: ser un vehículo de cohesión social y celebración colectiva que, a pesar de los cambios en los gustos musicales, sobrevive gracias a su capacidad de evocar nostalgia y alegría compartida.

Villancico flamenco, Andalucía
VILLANCICO FLAMENCO - ANDALUCÍA 

    Mención especial merece el villancico flamenco, una de las expresiones más bellas y profundas de la cultura andaluza. En Andalucía, la Navidad se vive a través de la "zambomba", una celebración donde el pueblo se reúne alrededor de una hoguera para cantar al compás de bulerías, tangos y rumbas. Aquí, el villancico se despoja de su rigidez para llenarse de quejío y duende, adaptando las letras bíblicas al costumbrismo andaluz con una naturalidad asombrosa. Esta fusión convierte la Navidad en una fiesta flamenca donde lo sagrado y lo profano se abrazan, demostrando que en el sur, la fe y el arte se expresan con el mismo latido emocional.

martes, 16 de diciembre de 2025

Navidad 2025 - Puente Genil, donde la Luz nace dos veces.

Puente Genil - Navidad 2025 - Rosa Bordas Molina
PUENTE GENIL - NAVIDAD 2025
El Nacimiento 
Rosa Bordas Molina 
Acrílico sobre lienzo - 54x73 cm.

    En el cartel de Navidad 2025 de Puente Genil, obra de Rosa Bordas Molina, la escena del Nacimiento se convierte en un faro de ternura y devoción. José y María, envueltos en tonos cálidos y profundos, contemplan al Niño envuelto en paja dorada, como si la luz que lo rodea brotara desde el corazón mismo de la fe. La textura pictórica, rica y envolvente, nos invita a detenernos, a mirar con los ojos del alma. No es solo una imagen, es una llama que arde en el silencio del invierno.
    Esta ciudad cordobesa, célebre por su dulce de membrillo y por ser cuna de las luces que iluminan la Navidad en calles de todo el mundo, se presenta aquí como algo más que industria y tradición. Puente Genil, la ciudad de la luz, se revela también como ciudad del espíritu. Porque si sus fábricas encienden plazas y avenidas, este cartel enciende corazones. Es la luz que se siente en el interior, la que guía, consuela y une.
    Así, en esta Navidad, Puente Genil se ofrece al mundo como doble luminaria: con sus guirnaldas que cruzan continentes y con esta imagen que, como estrella de Belén, señala el camino hacia lo esencial. Rosa Bordas ha pintado no solo un cartel, sino una promesa: que la luz que nace en un pesebre puede recorrer el mundo entero, desde Andalucía hasta el último rincón donde alguien espere, en silencio, la llegada del Amor.

ENLACES

lunes, 15 de diciembre de 2025

El árbol de Navidad: origen y evolución.

    El árbol de Navidad, tal como lo conocemos, es una tradición relativamente reciente, pero sus raíces se hunden en antiguas culturas paganas de Europa del Norte. Estos pueblos, como los celtas o los germanos y escandinavos, veneraban a la naturaleza y a los árboles perennes, como el roble o el abeto, considerándolos un símbolo de vida eterna y fertilidad ante la llegada del solsticio de invierno. Llevaban ramas a sus hogares o decoraban árboles sagrados con la esperanza de atraer la protección de los dioses y asegurar el regreso del sol.

San Bonifacio y el roble pagano    
SAN BONIFACIO Y EL ROBLE PAGANO

    Una de las leyendas más conocidas que enlaza esta tradición pagana con el cristianismo se sitúa en la Alemania medieval. Se cuenta que San Bonifacio (siglo VIII), un misionero británico, derribó un roble dedicado al dios Thor e invitó a los paganos a reunirse en torno a un joven abeto cercano, al que designó como el árbol del Niño Jesús para celebrar su nacimiento. 
     Más tarde, en la Alemania medieval, apareció la forma más cercana al árbol navideño actual. Cada 24 de diciembre se celebraba la "Fiesta de Adán y Eva", en la que se empleaba un árbol adornado con manzanas, dulces y velas para evocar el Paraíso y el Árbol de la Vida. A partir de este trasfondo simbólico, y especialmente en ciudades bálticas como Tallin (1441) o Riga (1510), se documenta la costumbre de erigir árboles de Navidad en plazas públicas.
    La costumbre se popularizó ampliamente en Europa en el siglo XIX, en gran parte gracias a la influencia de la realeza. En 1841, la reina Victoria y su esposo, el príncipe Alberto (de origen alemán), hicieron de la decoración de un abeto una tradición familiar en el Palacio de Buckingham, lo que rápidamente se difundió entre la nobleza y, posteriormente, entre la burguesía. 
    La tradición del árbol de Navidad llegó a España de forma tardía y, como en otros lugares, a través de la influencia de la nobleza europea. Se considera que el primer árbol de Navidad en España se instaló en Madrid durante las Navidades de 1870. 
    La impulsora fue Sofía Troubetzkoy, una aristócrata rusa que se había casado en segundas nupcias con el duque de Sesto, José Osorio y Silva-Bazán, un prominente político y militar español. Sofía, acostumbrada a la costumbre en otros países europeos, mandó instalar un abeto decorado en el Palacio de Alcañices (ubicado donde hoy se encuentra el Banco de España, en el Paseo del Prado de Madrid).

Familia decorando el árbol de Navidad 
FAMILIA DECORANDO EL ÁRBOL DE NAVIDAD
 
    A pesar de esta introducción temprana en la alta sociedad madrileña, la tradición no arraigó de inmediato ni de forma generalizada. Durante muchas décadas, la costumbre navideña por excelencia en los hogares españoles siguió siendo el Belén o nacimiento.
    El árbol de Navidad se fue popularizando de forma progresiva a lo largo del siglo XX, especialmente a partir de la segunda mitad, influido por las modas y la iconografía navideña que llegaban de otros países de Europa y Norteamérica, hasta convertirse en un elemento imprescindible de la decoración navideña actual.

sábado, 13 de diciembre de 2025

El origen del primer Belén

Belén con San Francisco de Asís
SAN FRANCISCO DE ASÍS Y EL PRIMER BELÉN

    El primer Belén surgió en Greccio, Italia, en 1223, gracias a San Francisco de Asís, quien pidió permiso al papa Honorio III para recrear el nacimiento de Jesús con un pesebre, un buey y un asno. Este gesto, inspirado en su viaje a Tierra Santa, dio origen a una tradición que pronto se extendió por toda Europa. 
    San Francisco de Asís, tras visitar Palestina, quiso que la gente pudiera experimentar de manera sencilla y visual el misterio de la Navidad. Con autorización del papa Honorio III, organizó en la Nochebuena de 1223 una representación en una gruta cercana a la ermita de Greccio. Allí dispuso un pesebre con heno y colocó un buey y una mula, siguiendo el relato evangélico. Según las crónicas de Tomás de Celano y de San Buenaventura, durante la misa celebrada en aquel lugar se vivió una profunda emoción: los asistentes sintieron que la escena les acercaba al nacimiento de Cristo. 
    Este primer Belén no tenía figuras talladas, sino que era una escenificación viviente. Con el tiempo, la idea se difundió por Italia y luego por toda Europa, transformándose en los belenes con figuras que conocemos hoy. En el siglo XV, en Nápoles, comenzaron a elaborarse figuras de barro y madera, y más tarde se añadieron pastores, ángeles y reyes magos. Así, lo que empezó como un gesto humilde de San Francisco se convirtió en una de las tradiciones más queridas de la Navidad.

viernes, 12 de diciembre de 2025

Filatelia navideña - Canadá (2025)

    El Servicio postal canadiense ha emitido en 2025 dos series de sellos dedicados a la Navidad, una de carácter laico, con tres valores sobre la fauna local, y otra de carácter religioso, con un solo valor, de la que nos hacemos eco en esta entrada por ser, a nuestro parecer, conmovedoramente sencillo. 

 Filatelia - Canadá - Navidad 2025 - 06.11.25 - Sello
CANADÁ - FILATELIA NAVIDEÑA 2025
Serie religiosa - Sello 

Filatelia - Canadá - Navidad 2025 - 06.11.25 - Sobre Primer día
CANADÁ - FILATELIA NAVIDEÑA 2025
Serie religiosa - Sobre Primer día

    Este diseño de Canada Post es una elección perfecta para ilustrar la belleza de la temporada navideña. El sello se erige como una pequeña obra de arte que reinterpreta la escena de la Natividad con un estilo único y accesible, logrando un equilibrio entre la tradición y una estética suavemente moderna.
    La ilustración, creada por Bex Morley y diseñada por Sputnik Design Partners Inc., presenta una escena de La Natividad bajo un cielo estrellado y profundo. La composición es inmediatamente atractiva, centrada en las figuras de María y José, cuyas expresiones son tiernas y serenas. La vestimenta de los protagonistas, en tonos azules suaves y marrones terrosos, aporta un toque tradicional, mientras que la presencia del Niño Jesús irradia un sutil halo dorado, simbolizando la luz y la esperanza que caracterizan esta celebración. 
    La paleta de colores es nocturna y atmosférica, dominada por azules oscuros y grises verdosos, lo que acentúa de manera magistral el brillo de la Estrella de Belén en el centro superior; esta estrella se convierte en el punto focal que guía la mirada. Narrativamente, el diseño incluye detalles que enriquecen el relato: un ángel alado y alegre anuncia la buena nueva con una trompeta en el lado derecho. En el fondo, las siluetas de los Reyes Magos y sus camellos se aprecian avanzando a través de las colinas ondulantes, añadiendo profundidad a la historia. Además, la inclusión de un burro y una oveja en primer plano ancla la imagen en la humildad del pesebre, dotando al sello de una ternura conmovedora y campestre. 
    Este diseño navideño canadiense es, en conjunto, una pieza atemporal y llena de paz, cuya sencillez artística consigue transmitir el mensaje de alegría y esperanza de las fiestas.

DATOS TÉCNICOS DE LA EMISIÓN
Serie: The Nativity
Motivo: Sagrada Familia
Fecha de emisión: 6 de noviembre de 2025
Ilustración: Bex Morley
Diseño: Sputnik Design Partners Inc.
Impresión: Offset
Soporte: Papel autoadhesivo
Perforación: Troquelado
Formato: Pliego de 12 sellos
Valor del sello: P (Tarifa doméstica)
Tirada: 250000 pliegos

                                                                                                                        (Dedicado a Víctor e Iván - Sevilla)

miércoles, 10 de diciembre de 2025

Publicidad 1960 - Fino San Patricio (Jerez)

Fino San Patricio - 1960 - Bodegas Garvey - José Cruz Herrera
BODEGAS GARVEY - JEREZ
Fino San Patricio - 1960
José Cruz Herrera

    El cartel publicitario de 1960 para la firma Garvey, en particular para el Fino San Patricio que se anuncia en la etiqueta, es un claro ejemplo de cómo la publicidad bebía de las artes plásticas. La escena está dominada por un retrato femenino de estilo realista, que capta la belleza y el tipismo andaluz. Una mujer vestida con mantón y flores en el pelo, mira al espectador con una sonrisa sugerente, mientras apoya su brazo sobre un tonel rotulado con "Garvey Jerez". A su lado, reposa una botella de jerez y una copa ya servida, en un ambiente de penumbra que resalta la figura central. La composición se atribuye al pintor José Cruz Herrera, cuya firma se distingue en el margen inferior derecho, integrando la obra pictórica en una estrategia de branding para evocar la calidad y la identidad española de la marca.
    José Cruz Herrera (La Línea de la Concepción, Cádiz, 1890 - Casablanca, Marruecos, 1972), fue un destacado pintor español. Inició su formación en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y obtuvo una beca que le permitió ampliar sus estudios en París y Roma. Su extensa carrera giró principalmente en torno al retrato y el paisaje, inscribiéndose su obra en el realismo que evolucionó hacia una factura más abocetada en su madurez. Sin embargo, fue en el orientalismo donde Cruz Herrera dejó una profunda huella, pasando gran parte de su vida en Marruecos y desarrollando una amplia producción de temas magrebíes y regionalistas andaluces, por lo que es considerado un pintor orientalista andaluz. Su trayectoria fue reconocida con numerosos premios y condecoraciones a lo largo de su vida.
    Fundado en 1780, el Grupo Garvey es una de las compañías más importantes en el sector del vino, brandy y espirituosos dentro del Marco de Jerez. Con una historia que se remonta a más de dos siglos, la bodega ha sabido consolidar una reputación que le permite exportar sus productos a más de 72 países. Entre su amplia gama de elaboraciones destacan el emblemático vino Fino San Patricio, la Manzanilla Juncal, y los brandies Espléndido y Conde de Garvey. La compañía Garvey representa una parte esencial de la tradición enológica de Jerez de la Frontera, ofreciendo una variedad de productos que abarcan desde los más frescos y biológicos hasta los más estructurados Solera Gran Reserva.

martes, 9 de diciembre de 2025

Anunciación de la Virgen María - Luca Giordano (1672) - Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

La Anunciación - Luca Giordano - 1672 - Óleo sobre lienzo 236,5 x 169,9 cm. MET Museum, Nueva York, Estados Unidos
LA ANUNCIACIÓN (1672)
Oleo sobre lienzo - 236.5 x 169.9 cm.
Luca Giordano
MUSEO METROPOLITANO DE ARTE (MET)  - NUEVA YORK

    El tema central de esta pintura es la Anunciación, uno de los pasajes más trascendentales de la tradición cristiana, narrado en el Evangelio de Lucas. El momento representa la visita del Arcángel Gabriel a la Virgen María para revelarle el plan divino: ella concebirá un hijo por obra del Espíritu Santo, al que deberá llamar Jesús, el Mesías. Es el instante en que el Verbo se hace carne, marcando el inicio de la Encarnación. Históricamente, este evento ha sido interpretado como la aceptación de María de su destino y, por extensión, de la voluntad de Dios, simbolizando la humildad y la pureza de la humanidad ante lo divino.
    La obra de Luca Giordano (Nápoles,1634–1705), pintada en 1672 y conservada en el MET Museum de Nueva York, capta el momento en que el Arcángel Gabriel aparece ante la Virgen María para anunciarle su concepción divina. La composición, dinámica y teatral, está dominada por el vuelo diagonal de Gabriel, quien desciende desde una luz dorada y celestial, llevando el lirio blanco, símbolo de la pureza y la virginidad de María. La Virgen, vestida con túnica roja y manto azul, está arrodillada junto a un atril, interrumpiendo su lectura, con una expresión de sorpresa y sumisión reverente; su mano sobre el pecho y la otra extendida expresan una mezcla de aceptación y humildad. 
    Estilísticamente, el cuadro es un brillante ejemplo de la madurez de Giordano. Combina el claroscuro dramático (la técnica de contrastes fuertes de luz y sombra) heredado de Caravaggio y de su maestro Ribera, con la rica paleta de colores y la pincelada fluida propias de la escuela veneciana, particularmente de Tiziano y Veronés, a quienes admiraba y estudió. La composición emplea una diagonal ascendente que une a María y Gabriel con el foco de luz superior, creando profundidad y magnificencia. Los lirios blancos que lleva el ángel, símbolo de la pureza de María, y la postura humilde de la Virgen ante el mensaje, refuerzan el simbolismo teológico central de la obra.
    Luca Giordano, apodado Luca Fapresto por su notable rapidez de ejecución, fue uno de los pintores italianos más influyentes de la segunda mitad del siglo XVII. Su inigualable talento le permitió trabajar para las cortes más importantes de Europa. Tras consolidarse en Italia, fue llamado a España por el rey Carlos II, donde pasó una década fundamental (1692–1702) decorando el Monasterio de El Escorial, el Palacio del Buen Retiro y otros importantes complejos, introduciendo el estilo barroco triunfante que dejó una huella duradera en la pintura española. Murió en Nápoles, dejando un vasto legado de óleos y frescos de temas mitológicos y religiosos.

lunes, 8 de diciembre de 2025

María Inmaculada: la historia contada a niños

Dogma de la Inmaculada Concepción

domingo, 7 de diciembre de 2025

Navidad 2025 - Asociación de Belenistas de Sevilla

Sevilla (A. Belenistas) - Navidad 2025 - David Caro Aguilera
ASOCIACIÓN DE BELENISTAS DE SEVILLA - 2025 
David Caro Aguilera

    Hoy ha sido presentado en la sede sevillana de la Fundación Cajasol el cartel de la Navidad de Sevilla 2025, un encargo de la Asociación de Belenistas de Sevilla al artista David Caro Aguilera.
    La obra, que lleva por título "El regalo es Sevilla", es una profunda meditación plástica sobre la Natividad, vista a través del prisma de la propia ciudad. La pieza, realizada en acrílico sobre lienzo, se centra compositivamente en un grupo escultórico, la Sagrada Familia, que el autor toma del Belén gótico más antiguo de la ciudad, situado en la Portada del Nacimiento de la Catedral. Estas figuras, bañadas en un intenso azul y con un acabado que recuerda a la piedra o la madera tallada se proyectan hacia el espectador en un primer plano de gran fuerza. La elección estética de la composición y los paños de las figuras está inspirada en la Hermandad de Santa Marta, estableciendo un nexo temático y teológico entre el nacimiento y la futura Pasión y Muerte de Cristo, simbolizado sutilmente por la rosa roja a los pies del Niño.
    El artista traslada el concepto tradicional de la ofrenda de los Reyes Magos, oro, incienso y mirra, a un homenaje directo a los símbolos patrimoniales de Sevilla, proponiendo que el "regalo" de la ciudad al Niño es la ciudad misma. El oro de Melchor se materializa en la Torre del Oro, representada con un color dorado que resalta sobre el lienzo. El incienso de Gaspar se transforma en un imponente incensario cerámico, inspirado en los remates regionalistas de la Plaza de España. Finalmente, la mirra de Baltasar se presenta como el cofre cantonero de la Cruz del Señor del Gran Poder, un elemento que vincula el nacimiento con la Semana Santa, reforzando la dicotomía vida-muerte mencionada. Esta reinterpretación iconográfica no solo dota a la obra de una fuerte identidad sevillana, sino que también establece un diálogo entre lo sagrado y lo popular, entre la historia del arte y la devoción contemporánea.

sábado, 6 de diciembre de 2025

Leyendas de Sevilla - 23 El Voto de Sangre

    Corría el año 1615 en la bulliciosa Sevilla, la metrópolis del Nuevo Mundo. La ciudad olía a incienso y azahar, pero también a pólvora de los debates teológicos que incendiaban las calles y los púlpitos. La cuestión no era menor: ¿Había nacido la Virgen María libre de pecado original (Inmaculada), o no?
    Para la Iglesia universal, aquello era un misterio sin resolver, un debate abierto entre dominicos (que defendían la concepción natural) y franciscanos (defensores acérrimos de la pureza de María desde el primer instante). Pero para Sevilla, la ciudad mariana por excelencia, la duda era una ofensa. 

01 El Voto de Sangre - Predicación     

    En el convento de San Francisco, epicentro de la devoción concepcionista, Fray Juan de la Piedad, un orador fogoso y respetado por la plebe, predicaba con ardor. "¡Sevilla no consentirá que se mancille el honor de la Madre de Dios!", clamaba ante una multitud enfervorecida.
    La tensión alcanzó su punto álgido cuando ciertos predicadores forasteros se atrevieron a cuestionar públicamente el sentir de la ciudad. El pueblo se levantó en cólera. No se trataba de una disputa de libros, sino de un asunto de honor, de fe visceral. Se dice que en la Hermandad de la Vera Cruz de Sevilla, una de las más antiguas, sus hermanos mayores, hombres curtidos y serios, tomaron una decisión trascendental. 

02 El Voto de Sangre - Juramento del Voto     

    Se reunieron en el interior de su capilla. Debían sellar su creencia con un juramento inquebrantable. Pusieron sobre la mesa los Evangelios y un cirio encendido. Uno a uno, con la mano sobre la sagrada escritura, pronunciaron un juramento que pasaría a la historia como el "Voto de Sangre": "Hacemos voto y juramento solemne de creer, defender y enseñar la Concepción Inmaculada de la Santísima Virgen María, y estamos prontos a dar la vida y derramar hasta la última gota de nuestra sangre por esta verdad."
    El juramento no se limitó a una sola hermandad. Cientos de cofradías, gremios y la propia Universidad de Maese Rodrigo de Osuna se sumaron al voto. El juramento de "dar la vida y derramar la sangre" no era metafórico: estaban dispuestos a batirse en duelo o a enfrentarse a las autoridades eclesiásticas si intentaban prohibirles su creencia. 

03 El Voto de Sangre - Proclamación del Dogma     

    La presión sevillana fue tal que el rey Felipe III intervino, rogando al Papa que zanjara la disputa para pacificar la ciudad más rica de su imperio.
    Aunque el dogma tardaría aún dos siglos más en ser proclamado oficialmente por el Papa Pío IX en 1854, Sevilla ya había ganado su batalla moral.
    El "Voto de Sangre" se convirtió en el símbolo eterno de una ciudad que puso su fe y su honor por delante de todo, sellando para siempre su identidad como la "Ciudad de María Santísima"

    "Se cuenta otra leyenda con idéntico nombre, ligada al trágico destino de don Fadrique, asesinado en la Sala de los Azulejos del Alcázar de Sevilla por su propio hermano, el rey Pedro I. La memoria del crimen quedó sellada para siempre en la mancha de sangre que, según dicen, jamás pudo borrarse de aquellos azulejos."

viernes, 5 de diciembre de 2025

Navidad 2025 - Mairena del Aljarafe (Programación)

    Esta es la programación publicada por el Ayuntamiento de Mairena del Aljarafe para las fiestas navideñas 2025-6. En previsión de que algún evento pueda ser modificado o suspendido les ofrecemos enlaces a los Organismos responsables de este programa.

Mairena del Aljarafe - Navidad 2025 
NAVIDAD 2025 - MAIRENA DEL ALJARAFE

Mairena del Aljarafe - Programa de Navidad 2025
NAVIDAD 2025 - PROGRAMACIÓN (Pulse para ampliar)
MAIRENA DEL ALJARAFE 

ENLACES

Navidad 2025 - San Juan de Aznalfarache (Programación)

    El Ayuntamiento de San Juan de Aznalfarache ha publicado la programación prevista para las fiestas navideñas. En los enlaces adjuntos se puede consultar cualquier posible modificación o suspensión de las actividades propuestas. 

San Juan de Aznalfarache - Programa Navidad 2025
PROGRAMA DE NAVIDAD 2025 
SAN JUAN DE AZNALFARACHE

ENLACES

jueves, 4 de diciembre de 2025

Publicidad 1935 - Superfosfatos Río Tinto (Huelva)

Superfosfatos Rio Tinto - 1935 - Productos Químicos de Huelva S. A.
SUPERFOSFATOS RIOTINTO - 1935
Productos Químicos de Huelva S. A.

    Este cartel anuncia los Superfosfatos Marca Rio Tinto, un tipo de fertilizante químico altamente demandado en la agricultura de la época para garantizar la calidad y abundancia de las cosechas. Este producto químico esencial se destinaba a la mejora de la productividad del campo, siendo fundamental en el contexto de desarrollo agrícola de principios y mediados del siglo XX.
    La producción de este abono corría a cargo de la Sociedad Española de Productos Químicos de Huelva, S.A., una filial creada por la histórica Rio Tinto Company Limited, la gran empresa minera británica que explotaba los yacimientos onubenses. La fabricación se llevaba a cabo en sus instalaciones ubicadas en Huelva, tal como se destaca en el cartel. Para la comercialización y venta, la compañía se apoyaba en la Sociedad Anónima CROS, una de las mayores corporaciones de la industria química en España, que se encargaba de la distribución del producto a nivel nacional.
    La composición visual del cartel está dominada por una escena bucólica y optimista en el campo, con una pareja central de jóvenes campesinos. Portan en sus brazos gavillas doradas, que simbolizan la riqueza y el fruto del trabajo. En un segundo plano, se observan otros trabajadores en plena labor de siega en un campo soleado, con el fondo del paisaje rural, todo ello enmarcado por el logotipo del producto impreso en un saco a pie de imagen, el cual contiene los detalles de la empresa productora y el distribuidor.
    El estilo de la obra se inscribe en la ilustración publicitaria realista y costumbrista de la década de 1930, un periodo en el que la publicidad industrial española utilizaba la litografía a color para crear mensajes claros y directos. El cartel emplea una paleta de colores cálidos y terrosos que evocan la vitalidad del campo y la tierra fértil, asociando el producto químico a la imagen de la prosperidad agrícola tradicional, un método persuasivo muy eficaz en la comunicación visual de esa época.